What does “editing for print” mean? How does it differ from the editing you usually do, and what should you consider?
An image edited for use and viewing on digital media often requires a slightly different type of editing if it is to be printed. Why? There are many reasons, and much needs to be considered, and here I will try to give you some tips on how to think when editing for print. Printing an image is an art form, one where there is no right or wrong, but these are my thoughts and ideas that I have developed over years of printing when creating the prints I deliver.
One of the biggest differences between viewing an image on a computer screen and seeing it printed on paper is that a computer screen is backlit, while a printed image is illuminated by the light in the room. If you turn off the lights, the print is black. This presents a challenge, especially when it comes to the dark shadowy areas in the image and the absolute brightest parts. On a computer screen, we can have very dark areas and still see an incredible amount of detail and texture in those parts. If the dark and shadowy areas are slightly too dark on a print, you lose the details immediately if the light in the room doesn’t fully illuminate the print. There are several ways to approach this challenge.
I work by first editing the image for digital use, simply the usual type of editing I always do, without considering that the image might later be printed. I edit the image so that it looks exactly the way I want it to on my computer screen, no complications. Then, before printing, I have a setting on my monitor where I manually adjust contrast, brightness, etc., to simulate a print as closely as possible. When I switch to this mode, I lose a lot of contrast, the brightness on my monitor becomes very weak, and the dark areas become very dark. I’ve had to work my way through this to find the right levels. So when I now adjust the shadows to be bright enough to look good again, I know they won’t be too dark later when I print the image on paper. So make sure you have a good monitor, one that is calibratable and allows you to create your own preset modes to simulate prints.
Another thing to consider is color saturation. Paper becomes saturated much faster when you add extra color than when you edit for digital media, and our screens can deliver a tremendous amount of color saturation. Here are a few smart tricks to use.
If you have, for example, a portrait of an animal or person where you want to add a little extra color to the skin tones or fur, you will reach a point where you can’t increase the saturation any more because it simply doesn’t look good, and the paper can’t absorb more color. The difference between various types of paper is enormous, but even the best papers have a limit. How do I get, in this case, the face to stand out as much as possible? Well… if you’ve increased the saturation to a level that feels okay, there’s still a little more you can do without oversaturating the paper. The trick is that if you then decrease the saturation in the surrounding areas around the face, it will appear as though the face has even more color, even though it doesn’t. On printed paper, this effect is often even more pronounced than on the computer screen.
The second step is to play with the white balance. If you make the area around the face slightly cooler, it will also make the face appear even warmer, more colorful, and prominent, without risking it becoming too much color and looking artificial.
You can also work with complementary colors in the environment; can you reduce a color or change the tone slightly on objects near the face/animal to make it stand out more? Experiment with it. A tip is to make each adjustment smaller than what you initially think—so small that it’s barely noticeable. After making 10 such small adjustments, the difference will be enormous, without being able to pinpoint exactly what has changed. It just looks so much better and gives a completely different feel than before.
When it comes to sharpness, contrast, and detail, the same applies—the paper has limitations. I work in the same way. When I can’t make the eyes and fur of an animal sharper because they were already razor-sharp before editing, I can still make them appear even sharper by tricking the eye, making the surrounding areas slightly softer and less contrasty.
The dynamic range you get from a computer screen versus when you look at a print that might hang in a room where the lighting isn’t the best are two completely different things, so small adjustments like those above make a huge difference and can give your print a completely different look and feel.
I also want to highlight another important point, especially when it comes to color saturation. How much color a print can handle in total, in its entirety, before we as viewers perceive it as too much, depends somewhat on the subject matter versus the size of the print.
If you imagine you have an autumn scene, a deciduous forest that is green, orange, red, etc., i.e., a lot of colors. If you print this image in a small format, hang it on a wall in your home where you also have other types of interior design, and then stand a bit away from the picture on the wall and then turn slightly so you only see it in your peripheral vision, it will very easily appear jarring and irritating, and as if it is busy and chaotic. The same thing happens when you walk past it without directly looking at it. So for small prints in situations like this, it may be beneficial to reduce the color saturation and even the contrast a bit to achieve a calmer and more harmonious appearance. If you instead print the exact same image in a larger format, every little detail gets much more space to play with, and you can add a bit more color and a bit more contrast before it becomes disturbing and unpleasant to look at when it hangs on the wall.
The adjustments I made to the image above to prevent the subject from feeling flat when printed on paper are as follows:
- Made the surroundings cooler and the face slightly warmer.
- Muted the green tones in the dark background to avoid drawing attention away from the warm face and to make the face appear even warmer without actually making it warmer.
- Reduced the contrast on the reindeer’s body slightly to make the face appear more contrasty.
These are some thoughts I always have in mind when printing. Thoughts that are always in the back of my mind when I work to optimize my prints to make them as good as possible so that my customers will be as satisfied as possible and feel that the picture they purchased is truly something special. Every new image I add to my print shop has a lot of time behind it to ensure I can convey the image in the best possible way when it is printed on paper.
As I said, printing is an art form, and there is no right or wrong. It’s a lot about personal preference, but I believe this can be a very good guide as you experiment to find what suits you best and what approach you want to apply when working with your prints.
Vad menas med ”redigera inför print”? vad skiljer sig från den redigering man annars vanligtvis gör och vad bör man tänka på?
En bild som redigerats för att användas och ses på digitala medier behöver oftast en liten annan typ av redigering om den skall printas ut. Varför? Jo, anledningarna är många och det är mycket man måste ta hänsyn till, och här kommer jag försöka ge dig några tips kring hur du kan tänka vid redigering inför print.
Att tänka på är att printa en bild är en konstform, en konstform där det inte finns något rätt eller fel, men detta är mina tankar och mina idéer som jag genom åratal av printande jobbat fram när jag framställer mina utskrifter som jag levererar.
En av de största skillnaderna mellan att se en bild på en datorskärm och utskrivet på ett papper är att en datorskärm är bakgrundsbelyst, menas en utskriven bild belyses av ljuset i rummet. Släcker du lampan så är utskriften svart. Så här har vi en utmaning, speciellt när det gäller de mörka skuggiga partierna i bilden och de absoluts ljusaste partierna. På en datorskärm kan vi ha de mörka partierna väldigt mörka och ändå se otroligt mycket detaljer och texturer i de partierna. Är de mörka och skuggiga partierna aningens för mörka på en print så tappar man detaljerna direkt om ljuset i rummet inte belyser printern till fullo. Här finns det några olika sätt att ta sig an denna utmaning.
Jag jobbar på de sättet att jag redigerar bilden för digitalt bruk, helt enkel an vanlig typ av redigering som jag vanligtvis alltid gör, utan att tänka på att bilden senare kanske skall printas. Jag redigerar bilden så det på min datorskärm ser ut precis så som jag vill att den skall se ut, inga konstigheter.
Sedan innan print så har jag ett läge på min monitor där jag manuellt justerat kontrast, ljus osv för att simulera en print så nära det bara går. När jag slår över till detta läge så tappar jag väldigt mycket kontrast, ljuset i min monitor blir väldigt svagt och de mörka partierna blir väldigt mörka. Här har jag själv fått jobba mig fram för att hitta rätta nivåerna. Så när jag nu justerar skuggorna så pass ljusa så det återigen ser bra ut så vet jag att det inte kommer bli för mörkt senare när jag skriver ut bilden på pappret. Så se till att ha en bra monitor, en kalibreringsbar och en vart du själv kan göra dina egna förinställda lägen för att kunna simulera utskrifter.En annan sak man bör tänka på är färgmättnaden, ett papper blir betydligt fortare mättat när vi drar på extra mycket färg än när vi redigerar för digitala medier och våran skärm klarar att leverera en hiskelig färgmättnad.
Här finns det några smarta trix att ta till.
Har du tex ett porträtt på ett djur eller människa där du gärna vill dra på lite extra färg i hudtonerna/pälsen så kommer du komma till en gräns vart det inte går att öka färgmättnaden mer, det ser helt enkelt inte bra it och pappret kan häller inte svälja mer färg. Skillnaden mellan olika papper är enormt stor, men även de bästa av papper har en begränsning. Hur gör jag då för att som i detta fall få ansiktet att sticka ut så mycket som möjligt ? jo… om du ökat färgmättnaden till en nivå som känns ok så finns det lite till att ge, utan att pappret blir övermättat. Tricket är att om du i detta läge sedan drar av lite på färgmättnaden i de kringliggande områdena runt ansiktet, så kommer det uppfattas som att ansiktet får än mer färg även om så inte är fallet. Och på det utskriva pappret blir denna effekt oftast än mer påtaglig än på datorskärmen.
Steg nummer två är att leka med vitbalansen. Om du gör området runt ansiktet aningens kallare så kommer även de göra att ansiktet framstår som än mer varmt, färgfyllt och utstickande, utan att du riskerar att det blir för mycket färg och ser konstgjort ut.
Sen kan du även jobba med komplement färger i omgivningen, kan du dra ner på någon färg eller ändra färgtonen en aningens på objekt som är i närheten av ansiktet/djuret för att få det att stå ut mer? Prova dig fram. Ett tipps är att gör varje steg mindre än vad du vid första anblick tänker dig, så små så de knappt är märkbart. För efter att du gjort 10st sådana små steg så kommer skillnaden bli enorm och utan att du kommer kunna sätta fingret på vad som egentligen exakt har hänt, det upplevs bara så mycket bättre och ger en helt annan kännsla än tidigare.
Sen om vi kommer till skärpa, kontrast och detajrikedom så gäller samma sak, pappret har en begränsning. Här jobbar jag på samma sätt, när jag inte kan göra ögonene och pälsen på ett djur skarpare, för de är redan innan redigering knivskarpa, ja då kan jag ändå få dem att framstå som än skarpare om jag på samma sätt lurar ögat genom att göra områdena intill aningens softare och aningens mindre kontrastrika.
Det dynamiska omfånget du får levererat via en datorskärm kontra när u tittar på en utskrift som kanske hänger i ett rum vart ljuset inte är det allra bästa är ju två helt olika saker, därför gör små justeringar som dessa ovan en väldigt stor skillnad och kan ge di utskrift en helt annat look och känsla.
Sen vill jag även belysa en till viktig sak, speciellt när det kommer till färgmättnad. Hur mycket färg en print totalt sett, alltså i sin helhet kan ha innan det för oss som beskådare med våra ögon upplever är för mycket hänger lite ihop med vilket motiv du har kontra storleken på printen.
Om du leker med tanken att du har ett höstmotiv, lövskog som är både grön, orange, röd osv, dvs väldigt mycket färger. Om du skriver ut denna bild i ett litet format, hänger upp den på en vägg i ditt hem där du även har annan typ av inrening i rummet, ställer du dig då en bit ifrån bilden på väggen och sedan vrider dig lite så du endast ser den i ögonvrån, då kommer den väldigt lätt att uppfattas som stickande och irriterande, och som att den är gryllig och rörig. Samma om man går förbi den utan att direkt titta på den. Så är de små utskrifter kan de vara fördelaktigt i situationer som denna att dra av lite på färgmättnaden och även kontrast för att få en lite lugnare och mer harmonisk framtoning. Skriver du däremot ut exakt samma bild i större format, ja då får varje liten detalj mycket mer yta att spela på och man kan gå på med lite mer färg och lite hårdare kontrast innan de upplevs som störande och jobbigt att titta på när den hänger på väggen.
Ändringarna jag gjort i bilden ovan för att få motivet att inte kännas platt när det kommer utskrivet på ett papper är följande::
- Gjort omgivningen kallare och ansiktet aningens varmare
- Dämpat de gröna tonerna i den mörka bakgrunden för att inte ta uppmärksamheten från de varma ansiktet och för att ansiktet skall upplevas än varmare utan att jag egentligen gjort det varmare.
- Reducerat kontrasten på renens kropp för att få ansiktet att framstå som än mer krontrastrikt fast jag inte höjt kontrakten där.
Detta är några tankar som jag alltid har med mig i mitt printande. Tankar som jag alltid har i bakhuvudet när jag jobbar med att optimera min utskrifter för att få dem så bra som möjligt så mina kunder skall bli så nöjda som möjligt och känna att den bild de köpt verkligen är något speciellt. Varje ny bild jag lägger upp i min print shop har väldigt mycket tid bakom sig för att jag skall kunna förmedla bilen på allra bästa sätt när den är utskriven på pappret.
Som sagt, att printa är en konstform och det finns inget rätt eller fel, det handlar mycket om tycke och smak, men jag tror att detta kan vara en väldigt bra vägledning när du provar dig fram för att hitta vad som passar just dig och vilket tillvägagångssätt du själv känner du vill tillämpa när du jobbar med dina utskrifter.
PS: denna ren var kanske inte det alla bästa motivet då bakgrunden redan är väldigt mjuk och fin och väldigt förlåtande då den är till stor del vit. Men frammöver kanske jag tar mig tiden att ta mig an ett annat motiv och gör en fördjupad uppföljning på denna artikel, tror dog ändå att budskapet var rätt tydligt och jag hoppas du fåt upp ögonen för ett lite annat tänk vid redigeringen.